Critică

Matthew Bourne avea un simț perfect al spiritului epocii; în legătură cu/în sincronizare cu grupa de vârstă, atâtea generații vulnerabile despre și cărora li se adresează.

Sir Matthew Bourne, care a împlinit 60 de ani la 13 ianuarie anul acesta, nu se află doar în secolul al XX-lea. secol, dar și unul dintre cei mai populari coregrafi din toate timpurile.

El a cucerit West End-ul ca independent și apoi pe Broadway și, combinând trăsăturile stilistice ale culturii de elită și de masă, a taberei și a esteticii ciudate, a avut probabil cel mai semnificativ impact asupra culturii pop. (Este caracteristică taberei, care este legată de identitatea LGBTQ (IA) și îi descrie estetica, că distruge-distruge și recreează, organizează paradigme, fie că este vorba despre un paradigm de gen și/sau cultural, un mit. Adică, nu vede nimic ca un sacrament.) Anul trecut, pe 9 august, piesa de teatru de dans din al 12-lea spectacol, Romeo + Juliet, a avut loc la Sadler's Wells din Londra, la care a fost membru al echipei sale artistice. din 2006, în calitate de codirector al artelor. Fondată în 2002, a doua companie, New Adventures, este una dintre cele trei formații rezidente actuale ale instituției - alături de echipa de hip hop Company Wayne McGregor și ZooNation: The Kate Prince Company.

Sursa fotografiilor este site-ul Teatrului Național de Dans

În țara sa natală, a organizat opt premii Laurence Olivier și, anul trecut, un premiu special Olivier pentru cariera sa creativă cu mai multe companii de dans amatori - fără a lua o singură lecție de dans. La vârsta de 22 de ani, s-a înscris la departamentul de teatru de dans de trei ani la Laban Center for Movement and Dance din Londra (Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance din 2005), unde a obținut o diplomă de licență. Pe parcursul celor 14 ani de carieră ca dansator, a interpretat doar în piesele sale. Prima sa companie, un fel de filigran din Adventures in Motion Pictures recrutat în 1987, a fost inspirată din reclame de lenjerie, Spitfire din 1988, o regândire a Pas de Quatre, în zece minute. Jules Perrot în XIX. Cvartetul pentru balerinele de vârf din secolul al XX-lea, Lucile Grahn, Carlotta Grisi, Fanny Cerrito și Marie Taglioni, a fost interpretat de patru bărbați în lenjerie intimă.

Apoi, din anii 1990, a apărut în transcrierile postmoderne ale baletelor romantice canonice precum Spărgătorul de nuci, Silfide, Lacul lebedelor și Frumoasa adormită. Spărgătorul de nuci din 1992, care combină viața de zi cu zi a unui orfelinat victorian cu lumea înghețată a soiului de livezi de vinuri, a fost realizat la cerere! Highland Fling din Glasgow din 1994, cu același titlu ca dansul național scoțian, este cunoscut și sub numele de Silfide din generația Trainspotting. Groaza lui Hitchcock, Birds, a inspirat și a inversat Lacul lebedelor la scara istoriei dansului din 1995, care a reinterpretat toposul vechi de un secol al baletului alb. După cum se știe, rolul lebedelor este dansat de bărbați, iar prințul complex Oedip aprinde o dragoste fără speranță pentru o aripă masculină. Cel mai reușit succes al său, producția de dans de epocă din anii 1990, a reflectat în mod batjocoritor tabloidul și afacerile interne ale prestigioasei (atunci) prestigioase familii regale engleze, inclusiv relația dintre prințul Charles de Wales și mama sa, regina Elisabeta. Bourne, printre altele, a primit și americanul Tony, care premiază lucrări pentru Broadway, în 1999.

El este singurul coregraf britanic care a obținut recunoașterea prestigioasă în două categorii - Cel mai bun coregraf, Cel mai bun regizor muzical. În 1997, a fost introdusă Cenusareasa sa gotică, încorporată în istoria vampirilor, iar în 2012, în timpul bătăliei din Anglia, Blitz-urile au bombardat Frumoasa Adormită din Londra. Pe lângă aranjamentele sale muzicale (Oliver!, My Fair Lady, South Pacific, Mary Poppins), operele sale coregrafice aplicate (As You Like, Midsummer Night's Dream, etc.), a adaptat, de asemenea, clasicele crimei și filmelor pentru scena de dans. Scena de crimă a lui James M. Caine filmată în mod repetat, The Postman, a sunat întotdeauna de două ori pentru a inspira The Car Man, a cărui bază muzicală este Carmenje de Bizet. 2016 The Red Shoes este o parafrază a basmului Andersen și a cinematografului Michael Powell și Emeric Pressburger (Pressburger Imre) cu același titlu, Red Shoes.

Sir Matthew este în primul rând special ca producător de teatru (de dans). Un mare povestitor, extrem de muzical, un mare simț al stilului și al proporției; umorul, sensibilitatea socială, capacitatea de a crea personaje sunt excepționale. Gagman sângeros; servește întotdeauna ca o surpriză, foarte eficient, dar nu are vânătoare de impact mirositoare a transpirației. A creat o lume captivantă, elegantă, „rece” a designului, definită încă de la început printr-un angajament față de cei prăpădiți, proscriși, prăpădiți, „umiliți și întristați” - deci ironie, melancolie, ton întunecat.

Cu toate acestea, limbajul său de dans nu este nici inovator și nici (mai ales) unic. Dicționarul său de mișcări este legat de coregrafiile muzicale de înaltă calitate și, într-un sens tehnic - în special în ceea ce privește XXI. la așteptările secolului 21 - nu se poate spune că este dificil. Din câte se pare, din această cauză, a colaborat rareori cu un artist de balet bine formatat, renumit, dar excepția este emblematică. Fost dansator privat de vârf și vedetă a baletului regal englez, Adam Cooper, născut în 1971, a devenit un simbol iconic și de sex ca Swan Lake 1995 și White Swan Lake (The Swan/Stranger). În turneul britanic al operei din 2018/19, rolul (rolurile) a fost dansat de actualul director al Royal Ballet, celebrul Matthew Ball. Marele Cooper a avut, de asemenea, rolul masculin (Pilote) în Cenușăreasa și, cel mai recent, a dansat un impresar după modelul lui Serghei Gyagilev, Boris Lermontov, în Pantofii roșii.

Bourne s-a adaptat nevoilor în continuă schimbare ale consumatorilor fără consultanță. Producțiile sale de turneu vor fi lansate în întreaga lume foarte curând după premiera teatrală, aducându-și publicul în valoare de milioane - fără a menționa veniturile din vânzările de DVD și Blu-ray. Deși lucrările sale postmoderne reflectă în continuare (înapoi) estetica anilor 1990, sunt extrem de exigente - dacă nu toate sunt magistrale. El își păstrează repertoriul - cu mai mulți actori de-a lungul timpului - proaspăt și la standard, iar Lacul Lebedelor a ajuns și în cinematografe în 3D în 2012. În Ungaria și Europa Centrală, filmele Bourne sunt distribuite de Pannonia Entertainment, care oferă așa-numitul conținut alternativ cinematografelor; prin colaborarea lor cu Teatrul Național de Dans (NTS), lucrările au fost proiectate la NTS de anul trecut. Programul l-a prezentat și pe Romeo + Julieta în sala mică a teatrului - care a fost prezentată în cinematografe la puțin peste două luni de la premiera din Londra. [1]

Este uimitor

Matthew Bourne și-a creat piesa de 93 de minute cu tineri actori predominant lipsiți de experiență pentru a pătrunde în „energie brută”. Aparent, se intenționa, de asemenea, să abordeze/să cucerească generația Z - generația care postează și vizionează videoclipuri de 15 secunde pe una dintre cele mai populare aplicații sociale, TikTok. Din compoziția lui Prokofiev, de 130 de minute, Terry Davies a realizat un buchet de hituri - prin rearanjarea articolelor, rearanjarea accentelor, scurtarea piesei muzicale. Asistentul coregrafului este cubanezul Arielle Smith, în vârstă de 22 de ani, care a absolvit școala Rambert și are, de asemenea, propria companie. Condusă de dirijorul Brett Morris, formația de 19 membri (New Adventures Orchestra) este formată din tineri muzicieni. Pentru mai mult de jumătate (17) dintre interpreți, această lucrare a însemnat debutul lor teatral (de dans) și li s-au alăturat 5-6 adolescenți, un profesionist local de petreceri, la fiecare loc al turneului britanic de 13 stații. (Titlul și rolurile principale pot fi văzute în roluri duble și, respectiv, triple.) Coregraful-regizor a folosit deja această metodă ca regizor al versiunii scenice a romanului lui William Golding, Lord of the Flies, în 2011.

Bourne va elimina aproape totul din tragedia lui Shakespeare, inclusiv cele două clanuri în fierbere. Nu există un conflict real între cei peste o duzină de tineri fără personalitate și personalul care le reglementează, (medicează) și abuzează de ei, nu există nicio legătură de cauzalitate între decesele lui Mercutio și Tybalt. În cazul tiranului care a violat-o pe Julia, Tybalt, nu există nici cel mai slab indiciu că ar fi fratele ei. Ca urmare a prostiei dramaturgice și conceptuale, a superficialității, a ilustrației, tragedia este simplificată într-un comic sângeros - cu o petrecere cu baloane în maniera lui Grease în anii 1970/exterior, o cvasi-nuntă, o noapte cvasi-nuntă, o cvasi -sărbătoarea acelor, apoi un coșmar Romeo. În presa anglo-saxonă, Louise Levene, unul dintre puținii judecători artificiali, a rezumat ceea ce a văzut în Financial Times din Londra: băiatul o întâlnește pe fată, băiatul o ia pe fată, fata o ia razna. („[…] Băiatul întâlnește fată, băiatul devine fată, fata își pierde mințile”).

Cu toate acestea, deși se poate (discuta) pe larg ceea ce nu este în Romeo + Julieta, este incontestabil cât de sensibil transmite esența tragediei: că personajele din titlu - și aproape toți ceilalți în afară de ele - sunt conduse de forțe și emoții incontrolabile. La Shakespeare, Regina Mab este cauza modificării stării de conștiință; este otrăvitor, controlează totul - de la lupte familiale-tribale la atacuri bruște, sexualitate euforică, până la dorința de a ucide. În consecință, nu există niciun motiv rațional pentru nimic, inclusiv ostilitatea antică, ura și frica celor două familii. Acest lucru este extrem de înspăimântător în primul rând; Citându-l pe György Spiró: „această piesă este cu greu o glorificare a iubirii Renașterii, mai degrabă o groază asemănătoare ororii.” [2] Iar Bourne o vede așa cum este - fără măreție, eroism, patos praf. În parte, pentru că personajele din titlu nu sunt rebeli, ci victime. Tinerii torturați, abuzați, traumatizați, inconștienți - care nu au mâini - derivă cu evenimentele care le cauzează soarta. Nici ei nu au un ajutor: versiunea prietenoasă pentru femei a lui Lőrinc, pastorul Bernadette Laurence este un călugăr unic, învechit, mai ales în modelarea la modă a Daisy May Kemp, cu mai multe roluri.

Deși piesa nu este nici o narațiune și nici un actor, captivarea ei este ritmul său captivant, energia ei și faptul că coregrafia urmărește muzica cu precizie și tact de metronom. Datorită vitezei, vitezei și relativității sale scurte, opusul fără pauze și ralanti dă spectatorului impresia că face parte dintr-o singură presiune de coșmar, o febră - nu există nicio modalitate de a ieși din el. Uniforma instituțională albă, spațiul și iluminatul creează împreună de la început un efect ca și cum opera ar fi jucat simultan în viața de apoi, uneori în cer, sau ca și cum ar fi viziunea unui om care trăiește o experiență aproape de moarte. O altă problemă este că această viziune adesea hipnotică este mult mai mult o impresie imediată decât o experiență durabilă sau memorabilă. Punctele forte ale coregrafiei altfel dezvoltate cu precizie sunt în primul rând dublurile scrise pentru personajele din titlu, inclusiv minunatul kiss-pas de deux (adică: scena balconului).

Departe de distribuție este Paris Fitzpatrick, în vârstă de 24 de ani, care suferă o transformare excepțională ca Romeo. Metamorfozele sale, calitatea artelor spectacolului, intoleranța lui mi-au adus o experiență mult mai mare decât portretizarea de bună calitate a Julietei de către Cordelia Braithwaite, care este mult mai experimentată decât ea. (Balerina în vârstă de douăzeci de ani este membră a Aventurilor Noi, care a dansat rolul principal al Cenusaresei, printre mulți alții.) Bourne părea cel mai interesat de tragedia tragică a Romei fragile (rănite) în câteva săptămâni, așa că a devenit mediumul lui. Opera sa este astfel mult mai mult povestea lui Romeo decât cea a Julietei - și pentru că este condusă și influențată în zadar de adrenalină, energie, în ciuda faptului că există momente mai poetice și deranjante în ea, creează totuși un sentiment de lipsă . A XXI. secol de lucru proaspăt, plin de viață, eficient, sensibil, producție de calitate, dar nu ingenioasă, curajoasă, serioasă și suficient de profundă de la creatorul său. Cu toate acestea, nu există nicio îndoială că Matthew Bourne a simțit perfect spiritul epocii; este legat/sincronizat cu grupa de vârstă, atâtea generații vulnerabile despre care este vorba și cui se adresează. Mai ales pentru că piesa sa nu este menită să dea aspectul tinereții, ci este, de asemenea, cu adevărat tânără.

Matthew Bourne: Romeo + Julieta (Noi aventuri)

Coregraf-regizor: Matthew Bourne. Muzică: Sergei Prokofiev și Terry Davies. Set și costum: Lez Brotherston. Proiectare iluminat: Paule Constable. Filmul este regizat de Ross MacGibbon.

Dansat/Interpreți: Romeo - Paris Fitzpatrick. Júlia - Cordelia Braithwaite. Tybalt - Dan Wright. Mercutio - Ben Brown. Balthasar, Dragostea lui Mercutio - Jackson Fisch. Benvolio - Harrison Dowzell. Senatorul Montague și soția sa - Matt Petty, Daisy May Kemp. Pastor Bernadette Laurence - Daisy May Kemp, franceză - Hannah Mason. Dorcas - Bryony Harrison. Magdalen - Monique Jonas. Lavinia - Roisin Whelan. Morgan - Sharol Mackenzie. Edmund - Christopher Thomas. Lennox - Alexander Fadayiro. Sebastian - Callum Bowman. Fabian - Cameron Flynn. Asistente medicale, paznici, personalul spitalului - Daisy May Kemp și Matt Petty. Guvernator al Escalus - Monique Jonas. Psihiatru - Ben Brown. Swingers - Kate Lyons și Mark Samaras. Griffin - Mark Samaras.

Teatrul Național de Dans, sală mică, 17 februarie 2020.

[1] Lacul Lebedelor a fost proiectat la Teatrul Național de Dans în noiembrie anul trecut, iar Romeo + Julieta în februarie anul acesta. Screeningul The Car Man este programat pentru 20 aprilie și Sleeping Beauty pentru 18 mai - dar din cauza măsurilor guvernamentale extraordinare datorate coronavirusului, programul se poate schimba. Pannonia Entertainment va comercializa, de asemenea, The Red Shoes în Europa Centrală.

[2] György Spiró: combinațiile de roluri ale lui Shakespeare. Editura Europa, 1997. Citat la pagina 107