Artefactul lunii

2020/octombrie - Gábor Marianne (1917–2014)

Reconstrucția Podului Margareta

1948, pânză, ulei, 80 x 110 cm

/ Foto: Ágnes Bakos și Bence Tihanyi /

Poate că artista a ales Podul Margareta, renăscut din ruinele sale, ca temă pentru că putea să facă involuntar o paralelă cu propria viață. Podul, proiectat de francezul Ernest Goüin, a fost predat traficului în 1876 și extins până la expirarea insulei Margareta la începutul secolului. În apariția sa, clădirea, care descrie dezvoltarea civică și modernizarea metropolitană, cu sculpturi mari pe stâlpi, a suferit dezastre fatale în secolul al XX-lea. secol. Armata germană a început exploatarea în 1944, iar tragedia a avut loc încă din luna noiembrie a aceluiași an, când unele dintre acuzațiile care tocmai fuseseră instalate au explodat în timpul traficului sudic, probabil din cauza unei scântei dintr-un pantograf electric care trecea prin pod. În detonare, partea Pest a podului s-a prăbușit și au existat mai multe victime civile și militare în accident. În ianuarie 1945, trupele germane în retragere au aruncat în aer și secțiunea Buda. A II. după cel de-al doilea război mondial, s-au luat rapid decizii privind reconstrucția. Pictura nu mai arată podul temporar al pontonului construit lângă epavă, care a fost poreclit „Podul Manci”, deci se poate presupune că a fost construit cu puțin timp înainte de redeschiderea din 1948.

La fel ca podul descris, Gábor Marianne s-a născut în mediul unei burghezii urbane îmbogățitoare și cultivatoare, cu o gamă largă de cunoștințe artistice. Tatăl său, Ignác Gábor, istoricul literar versat, luminat, traducător, inovator al verstanului maghiar, organizatorul vieții culturale evreiești din Ungaria, și-a definit abordarea socială pentru viață, dar și-a determinat destinul istoric. Deja ca student la facultate și apoi ca tânăr pictor, a reușit să câștige premii semnificative și a făcut călătorii de studiu în mai multe țări europene, dar legile evreiești restrictive și apoi II. Persecuțiile celui de-al doilea război mondial au afectat-o în curând, la fel ca soțul ei, poetul András Mihály Rónai, al cărui nume îl poartă pe semnătura picturii. Părinții lor au fost uciși de armele detașamentelor Arrow Cross, ei înșiși au supraviețuit urgenței, s-au separat de familiile lor și s-au ascuns într-un spațiu ilegal. Reconstruirea podului simbolizează astfel simultan posibilitatea unui nou început, un început cu o „ardezie curată” și efervescența spirituală a timpului guvernului multipartit.

Cu toate acestea, sinceritatea nesolicitată a picturii nu ascunde nici trecutul tragic, nici partea crescătoare a umbrelor prezentului contemporan. Orașul pustiu evocă civilizația inumană, golită din anii precedenți, în timp ce norul sumbru și aglomerat de nori prefigurează tăcerea dinaintea furtunii. Într-adevăr, în 1948, pictorul a trebuit să vadă că lumea agitată care i-a permis să facă o reintroducere profesională se va încheia odată cu preluarea comunistă, rupând firele restabilite ale relațiilor sale internaționale. Era ca și cum energia elementară a loviturilor de pensulă hrănea un fel de înec, în grabă grăbită. Un ultim miros din lumea liberă ...

Din pictura care înfățișează reconstrucția Podului Margareta, atmosfera înăbușitoare a timpurilor primejdioase înainte și după 1945, și poate chiar cerul înnorat și ploios de la începutul lunii noiembrie 1956, ne-a fluturat în același timp. Deznădejdea și speranța Budapestei, care a fost distrusă și reconstruită de mai multe ori, cu furtuna de libertate. Dar adevărata virtute a operei este de fapt „invizibilă”: prospețimea ei. Metoda de reprezentare vizuală utilizată de artist este încă obișnuită și acceptată în pictura maghiară. Cu greu ne dăm seama că nu trebuie să facem niciun studiu preliminar de istorie a artei pentru a găzdui și interpreta mai mult de șaptezeci de ani de pictură. Poate că vechea semnătură dezvăluie oarecum vârsta sa adevărată. Ar fi putut să picteze astăzi.

Restaurat de: Ferenc Springer, 2015

2020/septembrie - Gyula Benczúr (1844–1920)

Studiu detaliat pentru „Ia înapoi castelul Buda”

În jurul anului 1888, pânză, ulei, 64 x 90 cm

/ Foto: Ágnes Bakos și Bence Tihanyi /

Cu trei sute treizeci și patru de ani în urmă, la 2 septembrie 1686, după o sută patruzeci și cinci de ani, castelul din Buda a fost recucerit din Imperiul Turc de armata multinațională mercenară a Ligii Sfinte, condusă de prințul Carol de Lorena, cu participare semnificativă maghiară. În 1886, capitala a comandat o pictură la scară largă pentru a doua sută de ani de la eveniment. Sarcina i-a fost încredințată lui Gyula Benczúr, care se întorsese acasă din țara germană cu trei ani mai devreme, și era deja un maestru de renume european, iar studenții săi și apoi experiența de predare la Academia din München au fost eficiente în școala de master public din Budapesta pe care o conducea. Comanda - și datorită dimensiunii picturii solicitate - a sosit târziu pentru a fi gata pentru bicentenar, iar disputele bugetare au împiedicat și lucrarea. Lucrarea terminată, care a fost în cele din urmă prezentată în mileniu în 1896, a devenit nu numai o operă pitorească, ci și unul dintre exemplele emblematice ale memoriei istorice maghiare. A câștigat Marele Premiu ca singurul tablou maghiar la Târgul Mondial din Paris de la 1900.

Pe o pânză de dimensiuni gigantice, lată de șapte metri, Benczúr - rupând cu picturile istorice tradiționale și romantice - nu a descris cursul asediului, ci a condensat transformarea istorică a evenimentelor într-un moment înghețat în parada victoriei. Lupta, bătălia disperată, sunt indicate doar de elementele de mediu și de anumite figuri umane. Timpul lung de pregătire i-a permis lui Benczúr să efectueze, ca de obicei, studii preliminare atente pentru reprezentările parțiale. În pictura prezentată aici putem vedea o avanpremieră timpurie, mai ales receptivă și provocatoare de gândire a unui detaliu al compoziției.

Este întotdeauna palpitant când pictorul aruncă o privire asupra „secretelor atelierului” său, un fel de introducere a privitorului în munca sa. Pictura noastră a servit parțial acestei nevoi, la fel ca Mihály Munkácsy, Bertalan Székely, Károly Lotz și alți contemporani. Studiile detaliate păstrate în mod conștient au întărit imaginea „prințului picturii”, contribuind în același timp la rezolvarea tensiunii crescânde dintre limitele picturii istorice academice și abordarea „artă pentru artă” care cucerește spațiul (l'art pour l'art) . Puteți observa direct modul în care artistul selectează - și traversează - limitele compoziției de detalii din marginile de jos și din stânga și cum modifică una dintre mișcările brațului de la scurtare la vedere laterală, făcând vederea mai diversă. Scena în sine pare complicată la prima vedere, dar numai pentru că se concentrează foarte aproape de imaginea de grup conturată anterior: două figuri umane se întind pe pământ în cruce între ele, cu pieptul până la talie.

"A fost un adversar erou, pacea să fie cu el!"

2020/august - Gyula Marosán (1915–2003)

Reconstrucţie

În jurul anului 1948; placaj, tempera; 73 x 101 cm

/ Foto: Judit Fáryné Szalatnyay /

Postitatea știe deja din istorie: puterea nu a atins atât de mult. În 1949, József Révai, care se ocupa de sovietizarea culturii, a fost numit ministru al culturii populare și s-a format Asociația Artiștilor Fini și Aplicați fără predecesori legali, care a oferit în mod exclusiv apariții publice artiștilor acceptați de autorități. Operele de artă erau obligate să poarte conținut ideologic, din punctul de vedere, desigur, pe care autoritățile îl considerau corect. Prezentarea operelor de artă independente născute din liberul arbitru a devenit practic imposibilă până în 1953, când Stalin a murit. Deși Gyula Marosán a câștigat un premiu în competiția pentru care a fost compusă compoziția sa, lucrările sale „sociale” au fost destul de acceptate, mai puțin apreciate financiar. A fost o „onoare” faptul că academismul sovietic, proclamat „cea mai avansată artă plastică din lume”, a reușit să copieze o operă proeminentă pentru publicul intern, la fel ca mai mulți pictori care au luat anterior alte căi artistice. Curând a fost obligat să-și găsească pâinea cu ilustrații, la fel ca și colegul său de artă, Szántó Piroska.

Cu toate acestea, pictura ascunde nu numai trecutul, ci și viitorul. Grupuri de oameni în uniformă care apar în mai multe locuri anticipează seria grafică revoluționară din 1956 din Marosa, pe care a creat-o la scurt timp după ce a părăsit Ungaria, inundată de trupele sovietice intervenționiste. S-a stabilit la Toronto, Canada, unde, ca Jules Marosan, ca reprezentant al avangardei europene, a devenit un membru respectat al scenei de arte plastice nord-americane, continuându-și non-figurativitatea dezvoltată în a doua jumătate a anilor 1940. Deși publicul maghiar poate fi mai puțin familiarizat cu arta sa, picturile sale au fost expuse cu succes la licitații internaționale de artă până în prezent.

Această operă de artă a fost una dintre ultimele opere ale vechii galerii Székesfővárosi. A fost cumpărat de la artist în 1948, probabil anul în care a fost realizat. Schimbările de politică culturală au cuprins în curând instituția. Colecția sa a fost dusă la Muzeul de Arte Frumoase, care a format ulterior baza de colecție a nou-înființatei Galerii Naționale Maghiare. O parte mai mică, considerată interesantă din punct de vedere al istoriei urbane, a fost predată muzeului capitalei, inclusiv lucrarea expusă aici. Astfel, pictura lui Gyula Marosán nu este doar o dovadă a unei ere lăsate nouă, ci și o piesă din istoria Muzeului Kiscelli - Metropolitan Gallery.

2020/iulie - Piroska Szántó (1913-1998)

Umbra lunii

1947, hârtie, pastel, 59 x 93 cm

/ Foto: Ágnes Bakos și Bence Tihanyi /

„La fel de naturală ca și natura însăși”.

(Gábor Görgey Fost pe Pirosko Szántó A fost odată într-un munte nou)

Născută în Kiskunfélegyháza, Piroska Szántó a urmat cursul lui István Szőnyi la Colegiul Maghiar de Arte Plastice, apoi a fost elev al lui János Vaszary la școala privată a Klára Rázsó. Grupul de artiști din Szentendre a avut o influență decisivă asupra abordării sale artistice, la care s-a alăturat în 1937 la invitația lui Endre Bálint. Liderul spiritual al grupului, Lajos Vajda, care a murit în 1941, a sugerat dualitatea naturalismului și abordarea antropomorfă caracteristică artei sale în orice moment: figurile de plante și animale transmit emoțiile și viziunea asupra lumii a creatorului într-un mod uman. Desene târzii cu cărbune Vajda ar fi putut să-l inspire pe Szántó să folosească pastelul în profunzime, liric, care a înlocuit cruditatea picturilor sale în ulei.

A II. După cel de-al doilea război mondial, s-a putut dezvolta ca un adevărat creator al Școlii Europene, care a reunit artiști abstracte maghiari și i-a înțeles doar câțiva ani, moment în care și-a organizat prima expoziție individuală. Una dintre cele mai remarcabile piese din această scurtă perioadă, precum și din întreaga operă, a venit la muzeu în 1977, la treizeci de ani de la finalizarea sa, această mare pictură în pastel a artistului.

2020/iunie - Gizella Rákóczy

Spire

Anii 1980, hârtie, tempera, 1050 x 1800 mm

/ Foto: Judit Fáryné Szalatnyay /

În cele peste patru decenii de activitate creativă, Gizella Rákóczy a creat o operă coerentă de o semnificație remarcabilă. De asemenea, el a îmbogățit decisiv arta abstractă geometrică, concretă, maghiară și internațională cu picturile sale.

A lucrat singur, nu aparținea unor grupuri de artiști, nu s-a străduit să obțină un succes strălucit, iar operele sale erau cunoscute de mult timp doar pentru câțiva profesioniști și cei apropiați. A fost unul dintre cei mai mari maeștri contemporani ai tehnicii acuarelelor, dar și o impresionantă operă de design interior, iar cele trei decenii ale sale de activitate pedagogică de artă au fost de asemenea esențiale. În 1971, a absolvit Colegiul Maghiar de Arte Plastice cu o diplomă în pictură ca student la Géza Fónyi. Chiar la începutul carierei sale, a pictat tablouri vizuale pentru o scurtă perioadă de timp, urmând direcțiile educației academice. Curând a abandonat acest mod de reprezentare, iar din 1972 până în 1976 a realizat colaje și serii de colaje. După 1976, a dezvoltat și a aplicat un sistem creativ sistematic pe baza căruia a creat serii folosind combinatorica și dinamica culorilor. Acest sistem închis de culori și forme a rămas dominant în toată arta sa.

El a lucrat cu o bară de instrumente extrem de îngustă, cu doar câteva forme de bază, un pătrat împărțit în patru părți egale, o formă spirală din ea și patru culori, galben, roșu, verde și albastru și tonurile lor. El a corespondat numerele cu culori sau tonuri, iar cu ajutorul combinatoriei a examinat umplerea câmpurilor pătratului divizat cu diferite culori sau tonuri, posibilitățile de umplere. El a creat serii variind acestea. Sistemele sale sunt legate, numărul și locația câmpurilor de culoare sunt date și finite, a pictat exact cât mai multe variante posibil, nu există repetări în seriile și imaginile sale și nici o oportunitate neexploatată.

Este mai dificil să te apropii de o artă atât de legată, bazată matematic, în ciuda faptului că Rákóczy a publicat principiile care îi ghidează pictura în multe publicații. Arta sa sistematică poate părea rigidă sau rigidă la început, deoarece artistul a renunțat la compoziția gratuită, un gest pitoresc. Cu toate acestea, picturile lui Rákóczy ar trebui găsite ca un loc de artă aplicată, printre mozaicuri sau decorațiuni de perete. Deși a creat-o într-o ordine legată, nu și-a creat lucrările cu ajutorul unui computer, a pictat fiecare variantă manual. Picturile sale sunt caracterizate de o manoperă meticuloasă, îngrijire picturală, umilință artistică și disciplină aproape monahală. Filosofia și pictura se întâlnesc în picturile sale. Ceea ce este important este algoritmul, sistemul închis de reguli, cu ajutorul căruia artistul și-a creat propria lume independentă. Reprezentările medievale ale lui Hristos ca arhitect sau geometru îmi vin în minte despre legăturile dintre creația lumii și matematică și geometrie. Și conform Cartii Înțelepciunii biblice, Dumnezeu a măsurat totul prin creație, număr și greutate (Înțelepciunea 11:20). Această lume creată prinde viață prin lucrarea subtilă, atentă, dar umană, atât de imperfectă, evenimentele pitorești - strălucirea, întâlnirea, suprapunerea culorilor - devin prezente în picturile lui Rákóczy.

În 1976, pe un vechi mormânt scoțian, a găsit motivul spiralei cu patru brațe, care a devenit motivul de bază al artei sale. Este definit ca o curbă care începe dintr-un punct și o ocolește din ce în ce mai departe. Cu toate acestea, când au fost desenate, s-au abătut de la liniile curbe încă din antichitate, reprezentându-le deseori într-o formă dreptunghiulară. A fost un motiv decorativ și a fost folosit de mii de ani în astronomie, natură și printre amintirile civilizației umane. Este folosit ca simbol al universului, creștere, transformare, renaștere. Ne putem gândi la traseul spiralat al zigguratelor, la casa lui Nautilus, la dubla spirală a ADN-ului, la vârtejul din apa curgătoare sau la imaginea Căii Lactee, exemple ale cărora pot fi enumerate aproape la infinit. Apare adesea ca un simbol al ascensiunii spirituale, referindu-se la calea dezvoltării spirituale a unui individ, în timpul căruia el urcă la niveluri spirituale din ce în ce mai înalte. Este important să menționăm acest lucru în legătură cu activitatea de pictură a lui Gizella Rákóczy, deoarece lucrarea de pictură disciplinată în sine poate fi considerată ca meditație care ajută la dezvoltarea internă.

Imaginea sa tempera, inventariată sub titlul Spiral, a fost adăugată la colecția Galeriei din Budapesta ca cadou de la Galeria din Budapesta în 1995, în urma expoziției personale a artistului. Imaginea poate fi clasificată ca o imagine tempera care prezintă sisteme spirale curbate și în evoluție realizate din 1983 (de exemplu, Bent Spiral [1984], Zsikla 2018, 90-91, Bent Spiral II [1987], Simon 2011/1, 4).) În aceste imagini, reprezentarea mișcării a devenit accentuată. Figura inițială, pe care artistul a „deformat-o”, poate exista într-un anumit număr de variații, în funcție de împerecherile culorilor de bază care apar aici în tonurile lor saturate. Este un pătrat cu trei diviziuni de trei ori, umplut cu mici forme spiralate care amintesc de Crucea Grecească în diferite variații de culoare. Și în acest caz lucrarea manuală îmbogățește lucrarea cu detalii fine. Rămășițele liniilor de creion ale schiței sunt vizibile destul de slab, suprafețele colorate sunt doar aproape perfect omogene și se poate simți o urmă a mișcării pensulei. Artistul a desenat mai întâi un contur colorat și apoi a completat formularele, lăsând goluri destul de mici în locuri între umplutură și contur. Într-unul sau două locuri, codurile de culoare introduse cu creionul pot fi îndepărtate și chiar și o eroare de prim plan corectată cu alb de acoperire poate fi descoperită privind cu atenție.

În timp ce pe seria Bent Spiral a apărut o suprafață mai ondulată, în Spiral percepția mișcării rotative este clară, adâncimea spațiului este, de asemenea, mai mare. În legătură cu mișcarea rotativă a spiralelor, merită menționat un desen dintr-o prelegere astronomică, care a fost publicat și de Gizella Rákóczy în articolul său din 1983, publicând cea mai complexă și cuprinzătoare versiune textuală a teoriei sale. Figura reprodusă, de asemenea, în monografia lui Mónika Zsikla (Zsikla 2018, p. 89, figura 5) provine dintr-o prelegere de cercetare spațială în care a fost folosită pentru a descrie vântul solar (Antal Somogyi: Particule cu energie ridicată în mediul și spațiul interplanetar al Soarelui, Academia Maghiară de Științe, iunie 1981). 2.). În studiul lui Rákóczy, el nu a oferit o explicație mai detaliată a figurii, ci a oferit-o pur și simplu ca ilustrație. Desenul prezintă o spirală rotativă simetrică cu patru brațe, pornind de la centrul unui cerc.

2020/mai - Artist necunoscut

Sf. Florian, statuia cabanei din zidul orașului Pest

XVIII. secol, gresie sculptată, pictată; înălțime: 49 cm