pop-ul e de rahat

Și din nou, cele mai bune filme din anii 2000. Iată a doua parte cu animație japoneză occidentală, iraniană și groază independentă americană.

(regizor: Takashi Miike)

Una peste alta, cunoaștem povestea multor decenii de legături interesante între cinematografia americană de vest și de îndepărtat - modul în care filmele de samurai ale lui Akira Kurosawa (precum The Seven Samurai sau The Bodyguard) au inspirat westernurile clasice și mai târziu modul în care au inspirat clasicele western ale spaghetelor de Sergio Leone ... ca A a fost odată un vest sălbatic. Filmul din 2007 al lui Takashi Miike a luat-o razna în toate sensurile, iar Sukiyaki Western Django este un alt capitol în această moștenire ciudată, dar intrigantă.

Opera lui Miike este destul de amestecată, cu atât filme prietenoase (comedie muzicală de groază în The Happiness of the Katakuri), cât și cu filme ultra-violente (The Audition, 13 Assassins etc.), iar Sukiyaki Western Django intră în mod clar în această din urmă categorie; adaugă brutalității deja date în genul occidental vărsarea exagerată de sânge a artelor marțiale orientale și a filmelor de acțiune. Rezultatul final ar putea fi invidiat chiar și de Quentin Tarantino, care are o stare de sete de sânge (nu este o coincidență faptul că renumitul regizor apare și într-un rol minor în film).

Și Sukiyaki Western Django oferă tot ce ne așteptăm de la ea - o mulțime de crime, povești de răzbunare epice, arme de foc ridicol de uriașe, ticăloși care amenință sate fără apărare și o viziune complet unică a secolului XXI a genului occidental care face din Leek un fel de lucrare postmodernă a tuturor de la trilogia sa la filmele de samurai ale lui Kurosawa, de la Războiul Trandafirilor la istoria japoneză. Miike chiar încearcă să creeze un mit prin prezentarea filmului ca un preludiu al lui Django din 1966 (un western de spaghete cu Franco Nero), care este un pic ciudat, dar poate nu atât de surprinzător din acest cinematograf care se pragul frivolității. Tarantino nu și-a făcut propria versiune a poveștii lui Django mult mai târziu după lansarea filmului lui Miike - nu cred că ar trebui să i se arate nimănui acel film. Dar dacă mă asculți, procesarea japoneză merită, de asemenea, o privire.

(regizor: Tomas Alfredson)

(regizor: Zhang Yimou)

La începutul deceniului, cinematograful de arte istorice/arte marțiale din Orientul Îndepărtat a avut, de asemenea, o renaștere minoră - în principal datorită a două filme care au avut un succes covârșitor și în Occident. Tiger and Dragon de Ang Lee (2000) și Heroul lui Zhang Yimou (2002) au introdus atât spectatorii europeni, cât și cei americani într-un gen care înfățișa viața artiștilor marțiali eroici și a ignorat majoritatea legilor fizicii, denumite în mod obișnuit Wuxia. Este posibil ca filmele menționate mai sus să fi avut mai mult succes (Tigrul și balaurul au primit, de asemenea, patru premii Oscar, inclusiv cel pentru cel mai bun film în limba străină!), Dar preferatul meu personal va fi întotdeauna lucrarea mai puțin cunoscută a lui Zhang din 2004, The Flying Daggers Clan.

(regizor: Darren Aronofsky)

De aceea, au existat întotdeauna cei care romantizează consumul de droguri dure dintr-un motiv ciudat, poate pentru că protagoniștii (Jared Leto și Jennifer Connely) erau tineri, frumoși și atât de răsfățați. Cu toate acestea, a doua regie a ororistului Aronofsky este deja excelentă pentru descurajare - la urma urmei, nimeni nu poate descrie durerea fizică și nebunia ca folosind expresiv doar imagini și efecte sonore ca un regizor din New York. Requiem for a Dream este doar parțial despre dependența de droguri oricum: o viziune cel puțin la fel de deprimantă despre epoca mass-media care a uimit definitiv omenirea (cum debutul regizoral al lui Aronofsky, Pi, a fost o viziune paranoică a zorilor creșterii computerului) . Personajelor Requiem-ului nu le pasă de instrumentul de distrugere a creierului de care ajung (heroină, droguri care modifică mintea, televiziune), pentru că oricum soarta lor este aceeași în această lume disprețuită: destrămarea vieții lor și vise.

Încă mi se pare destul de revoltător faptul că Oscarul pentru cea mai bună actriță a mers la Julia Roberts pentru Erin Brokovich în loc de Ellen Burstyn, care a jucat supraumană în acest film ca o mamă dependentă de TV înșelată de pastile de slăbit. Dar serios: de la Ripley și Xenomorph, nu am mai văzut un astfel de duel între o ființă umană și o supraomenească ca ciocnirea dintre Burstyn și Frigiderul din Requiem. Dar merită laudă pentru lumea vizuală creată de Aronofsky și co-creatorul său obișnuit, cinematograful Matthew Libatique: nenumăratele fotografii cu mișcare accelerată/lentă, tăieri rapide, montaje și utilizarea instrumentelor de imagine divizată (acesta din urmă cel mai exploatat de Edgar Wright la Scott Pilgrim) conduce Requiemul la filme experimentale, iar coloana sonoră plângătoare a lui Clint Mansell (care a fost, de asemenea, muzica de fundal pentru fiecare videoclip YouTube de acum zece ani) oferă acompaniamentul perfect pentru întreaga nenorocită tragedie.

Și, în cele din urmă, nu puteți acuza cu adevărat acest film cu ușurință, dar este de netăgăduit că, pe lângă numeroasele orori deprimante și dezgustătoare, găsim și o grămadă de umor în el. După psihotrillerul aproape insuportabil al lui Pi și povestea de obsesie artistică gravă a morții lui Black Swan, desigur, s-ar putea crede că nici Aronofsky nu cunoaște conceptul de umor din știri, ci unele dintre scenele Requiem pentru un vis (cum ar fi căptușeala femeilor în vârstă în fața unei case de locuit) Îl arată pe director ca un posibil moștenitor al comedianților evrei din New York. Requiem este o lucrare bine pusă la punct care, cu mesajul său mai universal, se ridică către o armată de filme de droguri neimaginative (cum ar fi Jurnalul unui coș); Cred că este mai mult o capodoperă Aronofsky Black Swan, dar acest film este încă o secundă foarte apropiată.

(regizor: Ti West)

Anii 2000 au fost o perioadă dificilă pentru genul horror; mainstream-ul era dominat de copii plate ale Nervous Conveyor Belt, versiuni slabe americane ale ororilor japoneze și valuri de remake nesfârșite, doar rareori putând găsi cu adevărat creații cu adevărat originale și valoroase. Favoritele mele personale includ, de exemplu, Peștera, acest film claustrofob din 2005, pe lângă care toate personajele sunt femei; și respins în Iad, superba revenire din 2009 a lui Sam Raimi la genul care la făcut inițial celebru și unele piese chiar mai puțin cunoscute, cum ar fi infernul violent Martiri francezi sau pseudo-documentarul înfricoșător australian Lake Mungo (ambele din 2008). Dar groaza mea preferată a deceniului este în mod clar Casa Diavolului, acest cinematograf independent american inspirat retro și impecabil.

Filmul lui Ye West aduce un omagiu ororilor satanice/supranaturale din anii șaptezeci și optzeci: povestea în sine are loc în anii optzeci, dar acest lucru este indicat de inscripția „Bazat pe ceea ce s-a întâmplat” în Texas la începutul filmului și în rolul principal personaj veteran Tom Noonan.care a jucat anterior în filme precum The Man Hunter sau The Monster Squad). Pe lângă crearea unei atmosfere seculare și a alegerilor bune de distribuție (Greta Gerwig este și ea în ea!), Cel mai remarcabil lucru despre Casa Diavolului este modul în care West s-a transformat dintr-o atmosferă liniștită și tulburătoare în prima oră a filmului într-o coșmar satanic șocant și însetat de sânge în ultima jumătate de oră. Ca să nu mai vorbim că acest film prezintă probabil cea mai bună scenă de salt din ultimul deceniu (cu o mână care ține o brichetă). Este posibil ca Casa Diavolului să nu fie o lucrare excesiv de originală, dar într-o epocă de remake-uri care violează ororile vechi (oh, să uităm doar Hallowen-ul lui Rob Zombie!), Acest tribut sincer adus marilor săi predecesori poate fi totuși iubit.

(regizor: Wes Anderson)

Există două feluri de oameni în lume - adică, dacă mă gândesc mai mult la asta, există trei feluri. Al treilea este cel care îl urăște din toată inima pe Wes Anderson și tot ce reprezintă. De fapt, este posibil ca ultima companie să fie și mai populată decât celelalte două. Dar să trecem la subiect: membrii primului grup jură lucrările timpurii ale lui Anderson (în primul rând Smart Egg din 1998) și cred că în a doua jumătate a carierei de regizor (care a început cu Tenenbaum) el repetă doar manierele înregistrate ale acestui 2001 film până la plictiseală. Potrivit celui de-al doilea grup, adevăratele capodopere ale lui Anderson sunt cele mai incitante din punct de vedere vizual și ambițioase lucrări ulterioare (în principal The 2014 Grand Budapest Hotel și Moonlight Kingdom 2012). Potrivit lor, Tenenbaum este versiunea timpurie oarecum rudimentară, dar cu atât mai adorabilă a acestui stil Wes Anderson (plin de personaje ciudate fermecătoare, personaje fermecător de ciudate, culori pastelate și umor ușor absurd) (totuși infiltrat de tragedia vieții moderne), care este menționată mai târziu, servește ca o previzualizare a așezărilor.

Tenenbaum este un fel de basm modern - acest sentiment este întărit de Anderson însuși cu un motiv de carte pentru copii care revine la începutul capitolelor - despre o familie decăzută de oameni deziluzionați, deprimați și deraiați în care copiii nu aveau o copilărie reală (din moment ce de la început „ceva imaginativ” sunt aduși pentru cariere de succes) și relațiile tradiționale au încetat de mult să existe - dar la final, desigur, totul merge bine. Între timp, obținem toate manierele lui Wes Andersonos - montaje decupate din scene scurte, decoruri realizate cu meticulozitate, glume ironice efectuate cu o falcă de lemn - dar unele sunete false sunt, de asemenea, amestecate în melodia sofisticată a filmului, cum ar fi experimentul de sinucidere surprinzător de întunecat scena Melodia lui Elliott Smith „Needle in the Hay” este în curs de pictură). Îmi vine doar în minte că o suprafață ușor zâmbitoare, asemănătoare unui basm și alegeri muzicale nostalgice (cele mai sincere înregistrări ale lui Nico, Velvet Underground, Nick Drake, Dylan și alții) ascund o poveste umană profund tristă.

(regizor: Ethan Coen/Joel Coen)

Frații Coen din anii 2000 au primit în cele din urmă recunoașterea profesională pe care ar fi meritat-o mult mai devreme (să zicem pe vremea lui Fargo), dar din păcate nu pentru filmul pe care îl meritau cu adevărat. The Land of the Non-Elder, o altă adaptare moderată a lui Cormac McCarthy, a primit (și a furat de la Bleeding Oil) Oscarul pentru cel mai bun film; un film salvat doar de memorabila descriere a lui Anton Bigurem, de Javier Bardem, pentru a fi complet plictisitor. Între timp, oh, frate, unde te îndreaptă drumul tău? primirea sa a fost destul de mixtă și nu a obținut niciun Oscar, deși a fost cel mai bun film Coen al deceniului.

(regizor: Spike Lee)

(regizor: Michael Winterbottom)

Fețele de petrecere non-stop spun povestea scenei muzicale din Manchester și a casei de discuri Factory de la sfârșitul anilor 1970 până la începutul anilor 1990, amestecând relativ slab ceea ce s-a întâmplat cu legendele urbane - și mai ales plăcute pentru cei care cunosc deja postpunk-ul orașului, indie și cultura rave. Dar dacă sunteți cu adevărat acolo pentru Joy Division, Happy Mondays sau New Order, atunci acest film a fost inventat pentru dvs.: Cavalcada de muzică și culoare a unui mozaic al lui Winterbottom, uneori lucrând cu instrumente pseudo-documentare, surprinde istoria Joy Division la sinuciderea lui Ian Curtis, Madchester și muzica electronică de dans ascensiunea sa și o mulțime de aventuri nebunești de droguri cu narațiunea auto-ironică a fondatorului fabricii Tony Wilson (Steve Coogan), adesea străpungând al patrulea perete. Muzica de fundal strălucită evocă fără cusur o epocă refăcută, poate doar coloana sonoră a Trainspotting-ului original de la cinematograful recent din Marea Britanie - o vom găsi pe orice, de la Buzzcocks la Durutti Column, 808 State la Moby, A Certain Radio la Orbital.

Și dacă toate acestea nu au fost suficiente motive pentru a încânta mulți nebuni ai muzicii, există încă cameele: pentru câteva secunde putem vedea adevăratul Tony Wilson, Howard Devot, membrii Happy Mondays, cântărețul de toamnă Mark E. Smith, Vini Reilly pe From Durutti Column - chiar și dintr-un motiv misterios, Kenny Baker, adică R2-D2 din filmele Star Wars. Michael Winterbottom a adaptat un scenariu imaginativ într-un portret mereu emoționant, plin de umor și tragic al uneia dintre epocile de aur ale muzicii populare - nu este surprinzător, este adesea menționat ca fiind una dintre cele mai bune adaptări cinematografice din cultura muzicii de dans. Dar fețele de petrecere non-stop sunt mai mult decât atât: o perspectivă dulce-dulce într-o epocă trecută, dar și mai interesantă, din care chiar și fanii de muzică obsedați deja menționați pot afla câteva detalii noi. Un amestec ciudat de divertisment, artă înaltă, filozofie și droguri care nu a câștigat accidental recunoașterea atâtor critici (inclusiv a lui Roger Ebert) și a unui festival de film important (nominalizat la Palma de Aur de la Cannes).