Pictarea selfie-urilor

maghiară

Autoportrete ale pictorilor, autoportrete pitorești

Oglinda mea, oglinda mea, spune-mi ... Un portret - indiferent dacă aparține altuia sau al pictorului - este făcut pentru eternitate, deci nu contează cum reușești. Primul autoportret cunoscut și numit aparține probabil lui János Aquila, care în XIV. În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, s-a imortalizat într-o frescă din biserica Velemér. Pentru pictori, autoportretul este un instrument important pentru exprimarea auto-exprimării, conștiinței de sine, auto-interpretării, adică ars poetica lor. Ceea ce contează este contextul, adică contextul în care creatorul se portretizează: dă o imagine sinceră, neadulterată despre sine sau se pune într-un rol idealizat? Oricum ar fi, alegerea modelului este evidentă, deoarece fața ta este întotdeauna la îndemână și ai suficient timp pentru a studia luminile, culorile și caracteristicile. Ar fi dificil să se conecteze artistul mai direct cu publicul care îi vizionează opera decât cu un autoportret, fie că este vorba de o pictură sau de o fotografie.

Să vedem cum s-au schimbat selfie-urile picturale în mai mult de o sută de ani, de la Mihály Munkácsy la Lucian Herve la Fernando Botero!

Stații

  • Mihály Munkácsy: Autoportret, 1881
  • Lajos Tihanyi: Autoportret, 1912
  • Dezső Czigány: Autoportret, 1913
  • Gyula Derkovits: Autoportret cu pahar de episcop, 1923
  • József Rippl-Rónai: Autoportret cu șapcă roșie și eșarfă roșie, 1924
  • Imre Ámos: Autoportret cu mască Ady, 1930
  • Lucien Hervé: Autoportret, 1938
  • Ákos Birkás: Autoportret cu aparat de fotografiat, 1–12, 1977–1978
  • Fernando Botero: Autoportret, 1992

Mihály Munkácsy: Autoportret, 1881

Tâmplarul a devenit o vedetă mondială, Mihály Munkácsy este primul nostru pictor de renume mondial, care s-a bucurat de un respect și o stimă atât acasă, cât și în străinătate. A fost unul dintre puținii care a fost înconjurat de un adevărat cult în viața sa. Citându-l, „știa că va fi pictor și a trăit la înălțimea acestei idei”. Până în anii 1880, popularitatea sa era de neoprit: în această perioadă a fost ales cetățean de onoare al Munkács. A creat o serie de tablouri de salon care ar putea fi vândute bine în comerțul cu artă, a început celebra sa serie Trilogie, i s-a însărcinat să picteze tavanul Muzeului Kunsthistorisches din Viena din curtea habsburgică, iar casa sa din Paris a fost una dintre cele mai saloane populare din elită.

Munkácsy nu a făcut multe autoportrete, dar cea mai cunoscută dintre acestea este opera sa, pictată în 1881, un portret al unui om încrezător în plină forță. A devenit un copil sărac orfan, portretul unui pictor celebru care a primit demnitarii Europei și Americii în propria casă, pentru lucrările cărora cunoscătorii și colecționarii de artă erau deja în competiție - și, deși se digera adesea pentru a vedea dacă era pe drumul cel bun, era pe deplin conștient de acest fapt.

Lajos Tihanyi: Autoportret, 1912

Lajos Tihanyi a început să deseneze la vârsta de paisprezece ani după ce a devenit surd-mut din cauza scarlatinei sau a meningitei. Portretele pictorului modernist, care aparține grupului de opt artiști, mărturisesc cunoștințele și empatia lor umane impresionante, totuși nu sunt idealizate sau înfrumusețate. El a căutat posibilități abstracte de exprimare și, datorită abordării sale creative constructive, lucrările sale s-au unit. Autoportretul său amar, grotesc, autoironic, dar uimitor, născut în 1912. Un maestru al portretului psihologic, care a reușit să se cufunde perfect în lumea interioară a persoanei descrise - în felul său, desigur, în mod autentic, oarecum caricatural. Onestitatea, caracterul pur și talentul său au fost apreciate și de prietenii săi. El și-a pus singurătatea din surzenie pe o pânză, dar există ceva deosebit de emoționant la el, felul în care lucrează neîntrerupt în studioul său și țipă doar la privitorul picturii.

Dezső Czigány: Autoportret, 1913

Dezső Czigány (născut Wimmer), care a avut o viață tulburată, a fost, de asemenea, membru al Optului. De la decenii până la moartea sa, el a fost caracterizat de un stil uniform, același principiu de exprimare: un fel de statică pătrunde în lucrările sale, fie că sunt naturi moarte, peisaje sau portrete. Compozițiile sale prezintă un contrast de culori rece-cald atent echilibrat și forme plastice accentuate. Țiganul a pictat multe autoportrete în diferite epoci, ascunzându-se eventual în rolul de cardinal, muncitor sau călugăr. Pictorul s-a așezat întotdeauna în mod consecvent, fie frontal, cu un ochi strict, fie într-un cadru de trei sferturi, nu mai puțin rău augur. De asemenea, el a fost descris de contemporanii săi ca o figură anxioasă care, dintr-un anumit motiv, avea încă un apel convingător, mai ales în rândul femeilor. Privirea lui ascunsă, pătrunzătoare de os în lumina morții sale nu mai este atât de surprinzătoare, terifiantă: în noaptea de Revelion 1937, și-a ucis a treia soție, fiica și nepoata, apoi s-a sinucis. Maestrul avangardei, Lajos Kassák, a căutat în scrierea sa șubredă cauzele inexplicabilei tragedii: „Este de neînțeles pentru mine că demonul ar putea prelua o asemenea putere asupra unui om care își scălda sufletul zilnic în muzica divină a lui Bach ... "

Gyula Derkovits: Autoportret cu pahar de episcop, 1923

Primele lucrări majore ale lui Gyula Derkovits au fost realizate la începutul anilor 1920. El credea că „o pictură puternică poate fi creată numai dacă funcționează cu forme pur picturale […] și artele plastice trebuie să fie legate de ceea ce trebuie spus, pentru că trebuie să ai ceva de comunicat”. Figurile sale caracteristice, care sunt în mare parte figuri cu cap înclinat, care exprimă tristețe generală, fac o impresie profundă. El s-a prezentat de mai multe ori într-un rol profetic: artistul a găsit ideea misiunii sale de salvare a lumii în expresionismul german, iar în lumea sa de formă transmite învățăturile lui Cézanne și ale cubismului timpuriu. A pictat autoportretul de sticlă al episcopului la vârsta de douăzeci și nouă de ani. Atributul episcopal se referă la experiențele sale din copilărie, întrucât orașul său natal, Szombathely, era scaunul episcopal, unde îl putea vedea adesea pe episcop.

József Rippl-Rónai: Autoportret cu șapcă roșie și eșarfă roșie, 1924

În anii 1920, József Rippl-Rónai a început să creeze o galerie de portrete literare maghiare, întrucât a decis să-i picteze pe toți cei care au făcut țara „grozavă, recunoscută în cultura sa”. A imortalizat o serie de portrete ale unor contemporani celebri în pastelurile sale: Mihály Babits, Endre Ady, Zsigmond Móricz, Lőrinc Szabó, Frigyes Karinthy, Ernő Osvát și, deși el însuși a lucrat în primul rând ca pictor, el însuși. Autoportretul său, realizat la vârsta de șaizeci și trei de ani, și-a rezumat întreaga viață: ultimii ani au fost marcați de schimbări constante de dispoziție și oboseală, a fost chinuit de boli grave și de relația sa instabilă cu Zorca, cu aproape patruzeci de ani mai tânără., i-a deteriorat starea sufletească. În această perioadă nu a întreprins nicio sarcină majoră, totuși, într-unul dintre ultimele sale autoportrete, există ceva proaspăt și viu, datorită rozului îndrăzneț.

Imre Ámos: Autoportret cu mască Ady, 1930

Acest autoportret este o frumoasă descriere a crezului lui Imre Ámos: masca Ady indică faptul că poetul, folosind instrumente revoluționare și simboliste, a fost un model pentru pictor. Artistul ține masca de moarte a lui Ady în mână de parcă ar fi doar „A fi sau a nu fi?” i-ar pune o întrebare. Amos a ilustrat în mod repetat poeziile poetului, dar a fost inspirat în repetate rânduri de replicile sale. Apropo, masca originală a fost realizată de Géza Csorba și i-a permis lui Ámos să facă o copie a acesteia, care a fost păstrată de Anna Margit după moartea pictorului. În autoportretul lui Imre Álmos, aproape că a evidențiat mâna umană din cadrul anatomic al acesteia și a descris-o ca o forță creativă, care păstrează în opera sa. Mișcarea este plăcută în timp ce atinge mufa ochiului, care poate fi interpretată și ca un fel de mișcare de doliu în timp ce închide ochii mortului în timp ce el însuși privește în jos.

Lucien Hervé: Autoportret, 1938

Un selfie este o fotografie de sine, adică o fotografie pe care fotograful său o face de la sine. În 2013, consiliul de redacție al British Oxford Dictionary a ales selfie-ul drept cuvânt al anului. E sinele lui Lucien Hervé? A fost realizat în 1938, deși primul sine din lume a fost chiar cu aproape o sută de ani mai devreme: a fost realizat de fotograful american Robert Cornelius în 1839 și a fost, de asemenea, prima fotografie de succes din viața sa. Viteza obturatorului ar fi putut fi de aproximativ 15 minute, lucru de neimaginat în lumea actuală a smartphone-urilor. József Petzval din Ungaria a jucat un rol important în scurtarea vitezei de declanșare necesare pentru a face fotografia: datorită lui, timpii de expunere de până la o jumătate de oră au fost scurtați la un minut. Dezvoltarea nu s-a oprit, în cazul mașinii Rolleiflex folosită de Lucien Hervé, chiar 1/50 de secundă a fost suficient pentru a face fotografia. Acest timp este aproape același cu cel al telefoanelor și camerelor utilizate astăzi.

Fotograful celebru în lume, născut în Ungaria, Lucien Hervé (născut László Elkán) s-a mutat la Paris la vârsta de nouăsprezece ani, ceea ce a definit abordarea sa pentru artă pentru o viață întreagă. Aici i-a cunoscut pe Robert Capá, André Kertész, Marcel Breuer, Walter Gropius, Alvar Aalto și XX. una dintre cele mai definitorii figuri ale arhitecturii moderne din secolul al XIX-lea, Le Corbusier, căruia i-a dedicat 18.000 din jumătate de milion de fotografii, documentându-și clădirile timp de șaisprezece ani. Hervé a fost descoperit după finalizarea autoportretului din 1938: a făcut imaginea într-o oglindă, care a fost un gest complet nou în fotografia epocii. Umbra de lumină care se joacă pe fața sa conferă operei o atmosferă foarte interesantă: atât intimă, cât și îndrăzneață, pe măsură ce se dezvăluie pe sine și munca sa privitorului.

Ákos Birkás: Autoportret cu aparat de fotografiat, 1–12, 1977–1978

La începutul carierei sale, Ákos Birkás a pictat portrete, dar doar câteva dintre ele au supraviețuit, deoarece le-a distrus pe majoritatea. Fotografia a fost o expresie importantă în arta conceptuală neo-avangardistă din anii 1970: a oferit o oportunitate de exprimare a gândirii teoretice. În această perioadă, Birkás a dezvoltat structurile picturale valabile pentru el, precum reflecția, contrastele și multiplicarea, pe care le-a folosit și în pictura sa. Una dintre cele mai interesante lucrări ale sale este Fantoma lui Rembrandt, realizată cu tehnica de stratificare una peste alta, unde a stivuit reproduceri ale celor 65 de autoportrete ale lui Rembrandt. Birkás este cunoscut în principal de public pentru seria sa Head, artistul a studiat continuu subiectul portretelor și portretelor pitorești (auto).

Esența seriei de pictură Self-Portrait with Camera este de a examina rolul artistului. În efectele de lumină romantice, contrastante, cu o pensulă și o paletă în mână, puteți vedea cu un pic strabism, privind fiecare expunere, în timp ce pictorul clasic folosește iconografia autoportretului. În arta lui Birkás, el a întrebat în mod constant despre natura, rolul și scopurile picturii și ale pictorului, în unele cazuri în mod radical, în altele mai puțin, dar cu auto-reflectare continuă.

Fernando Botero: Autoportret, 1992

Artistul columbian de renume mondial, care se numește „cel mai columbian pictor din Columbia”, nu trebuie confundat cu stilul altcuiva și este, pentru a-l spune ușor, supraponderal, dar calm. Imaginile lui Botero sunt atât pline de umor, cât și sfâșietoare, fețele sale pictate sunt atât singure, cât și pline de viață - printre altele, această măreție provine din măreția sa. Lucrările sale sunt opera unui artist contemporan care l-a făcut un clasic în viața sa. Jucaus, fantezie neobișnuită, ironie: totul este atât de rotund, chiar și Botero parafrazează portretul Mona Lisa și portretul cuplului Arnolfini. „Sunt tot eu”, a spus el în 2010, când lucrările sale au fost expuse la Muzeul de Arte Frumoase.

În pictura sa figurativă, el este interesat de forme, mase și plasticitate, așa cum se poate vedea în autoportretul său din 1992. Imaginea pictată în maniera lui Velázquez este la fel de nesăbuită, colorată și poetică pe cât dorește să o exprime cu toată arta sa: într-un sens, un pictor tradițional, obraznic, contrabandă cu umor și sarcasm în opera sa. Botero a fost înscris la o școală matador la vârsta de cincisprezece ani, dar când a văzut primul taur viu, și-a dat seama imediat că profesia nu era pentru el. Totuși, s-a ascuns în pielea unui toror pe autoportretul său, care este o minunată lovitură spre sine. De altfel, lucrarea a fost adăugată la colecția muzeului ca un cadou generos de la pictor după expoziția nefastă din 2010.