Rembrandt aplecându-se aproape

Într-una dintre scenele de deschidere din filmul Rembrandt al lui Peter Greenaway din 2007, The Night Patrol, suntem în casa pictorului, în sala de mese. Se pare că Rembrandt ar putea merge bine, cu servitori cu cap alb care fac și cumpără în sala imensă și o companie de doisprezece stând în jurul meselor care se prăbușesc cu mâncare. Aproape toți cei care au fost vreodată cu adevărat importanți în viața lui Rembrandt sunt aici, să adăugăm, care nu s-au putut întâlni niciodată în această formă în realitate. Foștii îndrăgostiți și Rembrandt se distrează reciproc cu ping-pong verbal într-un spectacol cinematografic care evocă diferitele ere ale maestrului epocii de aur olandeze în tratamentul său ușor.

În compania tinerei sale soții, Saskia, Geertje și Rembrandt Chinszka, care îl dau în judecată pe Rembrandt în baza unei promisiuni de căsătorie, și a lui Hendrickje, care este cu douăzeci de ani mai tânăr decât el, dezbaterea nu este doar dacă pictorul se va angaja să mai târziu Night Patrol. dacă Ecce Homo, Pilatul așteptat pentru iunie și Sf. Veronica în august, care va fi finalizat până în mai, se vor potrivi la timp, dar va continua și cine va hrăni copilul nenăscut al lui Rembrandt. La un moment dat, relația dintre Saskia și Rembrandt degenerează până la punctul în care soțului i-a rămas doar un singur argument:

- Nu fi obișnuit, sunt studenți aici.

„Au venit să studieze, pentru bani buni, nu”.?

Greenaway a condensat o imagine modernă Rembrandt în scena onirică. Vedem pictorul, care vede și arta ca pe o afacere, profesorul practicant, care primește studenți în studioul său și individul nu atât de neted care aruncă struguri în gură cu orice preț.

Cu cinci sau șase decenii mai devreme, cu siguranță nu ar fi fost posibilă realizarea unei astfel de scene într-un film despre viața lui Rembrandt. Nu numai pentru că Greenaway era încă în perioada testării aripilor la acea vreme, ci pentru că ceea ce știm și gândim despre Rembrandt și discipolii săi s-a schimbat radical în ultimele decenii.

Aniversarea a 350 de ani de la moartea maestrului olandez este comemorată în întreaga lume cu expoziții. Aruncarea mare din acest an la Muzeul de Arte Frumoase nu este totuși Rembrandt, ci expoziția la scară largă Rubens (la care vom reveni, desigur), iar maestrul olandez a primit doar o mică expoziție de cameră. Această umilă expoziție de desen mic este, desigur, împinsă în fundalul din spatele spectaculoasei expoziții principale și nu este nimic de mirat, dar, datorită muncii curatoriale minunate, putem totuși să aruncăm o privire în atelierul lui Rembrandt dacă se întâmplă să căutăm pentru divertisment mai liniștit și aglomerat în muzeu. Și dintr-o serie de pagini grafice inteligent aranjate, putem chiar compila propriul nostru film Rembrandt, în care maestrul va rămâne fără îndoială protagonist, dar el nu va fi în niciun caz creatorul singuratic, înțepător, în retragere, care a fost văzut în secolul al XIX-lea. gândire.

În loc de mit

Să ne gândim pentru o clipă că în urmă cu aproape o sută de ani, aproape 1.000 de tablouri se credea că au fost realizate de Rembrandt. Secolul al XIX-lea credea cu drag că lucrările care merită vizualizate nu pot fi create decât de genii, așa că toate lucrările de tip Rembrandt au fost atribuite maestrului. Cu toate acestea, având în medie cariera lui Rembrandt de aproximativ patruzeci de ani, aceasta ar însemna că a realizat douăzeci și cinci de tablouri pe an, iar apoi desenele și gravurile sale nu au fost nici măcar luate în calcul. Nu foarte probabil, corect?

Desigur, nu de-a lungul unei astfel de logici, ci mai degrabă prin studierea stilului imaginilor, cercetarea a obținut și un capriciu în timp. În 1921 doar 711 tablouri, în 1935 doar 630, în 1966 doar 562, în 1968 doar 420 tablouri au fost acceptate pentru lucrarea celor mai mari autorități internaționale Rembrandt. Apoi, în 1968, cu sprijinul guvernului olandez, a fost lansată o întreprindere științifică gigantică, Rembrandt Research Project și, în decursul multor decenii de funcționare, fără conflicte interne, a publicat în cele din urmă cataloage ale lucrărilor Rembrandt care ar putea fi considerate autentice. în șase volume, cel mai recent în 2014. Din câte știm, scăderea exponențială a numărului de picturi Rembrandt s-a oprit în cele din urmă la aproximativ 380. Desigur, cercetarea a făcut aceeași muncă exploratorie cu paginile grafice ale artistului, iar numărul de imagini care i-au fost atribuite a fost semnificativ mai subțire și în acest caz.

Dar ce-i cu restul?

Ceea ce am câștigat pe feribot nu a fost pierdut la datorie

Realitatea este doar că este mai interesantă decât miturile unidimensionale. Prin separarea lucrărilor discipolilor, asistenților sau pur și simplu artiștilor „din afară” care au stăpânit manierele lui Rembrandt de operele maestrului, a apărut o imagine mult mai bogată a artei olandeze din Epoca de Aur. Și comparând lucrările profesorului și ale elevilor, imaginea fabricii de filare care funcționa în casa lui Rembrandt s-a desfășurat, iar accentul s-a mutat și asupra carierelor studenților.

În expoziția sa de comemorare a artelor frumoase ale lui Rembrandt, este deosebit de îmbucurător faptul că, deși lucrează sub un nume mare, evită complet utilizarea unei rețete blockbuster în sens greșit. Acesta din urmă spune să ia un artist bine comercializat de care toată lumea a auzit cu adevărat, și să orneze numele de unul singur sau decorat cu lucrările altor creatori, mai ales fără a adăuga valoare nutritivă, pentru ca toată lumea să îl poată mânca. Expoziția de Arte Frumoase funcționează cu exact opusul. Expoziția la scară mică este a varietății imersive scurte, asemănătoare gândacului și, cel mai important, se concentrează cu adevărat pe ceva esențial la 350 de ani de la moartea lui Rembrandt.

Funcționarea studioului este un element IMPORTANT al întregului fenomen Rembrandt, fără a-l înțelege nu este posibil să se formeze cu adevărat o imagine reală a acestuia.

Curatorul expoziției, Bernadett Tóth, a compilat secțiunile expoziției în conformitate cu genurile picturii din secolul al XVII-lea și educația desenului. Secțiunile organizate în jurul unor tipuri de portrete, nuduri, compoziții narative, peisaje și schițe de figuri prezintă desene ale elevilor de cea mai înaltă calitate și lucrările Rembrandt care au inspirat crearea lucrărilor studențești. Prezentarea paginilor lui Ferdinand Bol, Gerbrand van den Eeckhout, Samuel van Hoogstraten și alții păstrate la Budapesta, însoțite de desene și gravuri din mâna maestrului, oferă o oportunitate de a descoperi multe paralele, eventual diferențe interesante.

De asemenea, merită adăugat aici rapid că, atunci când vorbim despre gravurile sau desenele lui Rembrandt, nu trebuie să ne gândim la niciun fir lateral din operă.

- stabilește bonma curatorului în legătură cu lucrările maestrului realizate cu această tehnică. Adică, la fel cum Dürer a adus același standard aproape de neegalat din gravura pe cupru, la fel a făcut Rembrandt și din gravură. Apropo, artistul a ajuns la această tehnică la o vârstă foarte fragedă, la vârsta de douăzeci de ani, atât de mult încât opera sa grafică face parte din cariera sa care este complet la egalitate cu pictura. Arta plastică se află într-o poziție norocoasă, deoarece colecția lui Rembrandt include aproape toate gravurile sale, șase desene originale și aproape patruzeci de lucrări de înaltă calitate de la studenții săi. Cu alte cuvinte, Arte plastice pot, în principiu, să construiască o expoziție din propriul material, ceea ce face ca funcționarea atelierului Rembrandt să prindă viață prin imagini, chiar dacă nu împrumută lucrări mari din străinătate. Nu este împrumutat la expoziția actuală, dar expoziția este încă rotundă.

O mulțime de DLA în studioul Rembrandt

Atelierul lui Rembrandt a funcționat ca un fel de școală gratuită, cu artiști care, practic, absolviseră deja, să zicem, pentru o pregătire mai lungă. Punctul culminant al expoziției îl aduce imediat pe vizitator în imagine: situația contemporană este ilustrată de o remarcă din secolul al XVII-lea a unuia dintre primii biografi ai lui Rembrandt, Joachim von Sandrart, că

Casa lui Rembrandt din Amsterdam era aproape aglomerată de tineri din familii nobiliare care veneau la el pentru îndrumare și predare.

Și nu a lipsit îndrumarea și predarea la Rembrandt. La expoziție, întâlnim o imagine a lui Rembrandt, care este una dintre cele 10-12 foi de probă realizate special pentru studenți. În lucrarea uimitoare, vedem că, deși fundalul, pe care Rembrandt l-a elaborat întotdeauna pentru prima dată, este aproape gata, prim-planul este practic gol pentru a continua. Pe această foaie, maestrul le-a demonstrat în mod specific discipolilor fazele dezvoltării imaginii. Apropo, acest lucru i-a adus pe elevii care s-au îndreptat spre el nu numai mai aproape de desen și pictură, ci și de învățătura în sine. Unul dintre discipolii Rembrandt, Hoogstraten, de exemplu, a devenit ulterior nu numai un artist, ci și un profesor în sine. De asemenea, a scris un tratat privind funcționarea propriului atelier, care poate fi dedus din metodologia de predare a lui Rembrandt.

Linia de fund: copiați, dar nu fals

Rembrandt a fost un profesor strict. Pe lângă corecție, el a făcut adesea remarci destul de crude asupra desenelor elevilor săi. De exemplu, unul dintre discipolii săi a evaluat Evadarea din Egipt spunând că cifrele au un cap prea mare, măgarul trebuie întors, iar Maria nu ține copilul atât de aproape de ea cum poate vedea în imagine. Fervorul de predare l-a convins, de asemenea, pe Rembrandt să folosească unele dintre desenele sale din colecția sa de altfel foarte mare și valoroasă, în scopuri didactice. Nici el nu a cruțat aceste lucrări. În expoziție putem vedea un desen venețian din secolul al XVI-lea care descrie un peisaj deluros cu case și o moară de apă în care Rembrandt, pentru a ilustra cum să deseneze bine o perspectivă, a corectat-o pur și simplu. În același desen, vedem, de asemenea, un exemplu de cum arăta când a regretat că stiloul a fugit puțin și a rezolvat retragerea cu un strat de acoperire alb.

Cu toate acestea, dacă comparăm imaginile stăpânului și ale discipolilor, se poate vedea, de asemenea, că Rembrandt nu se aștepta la imitația sclavilor. Deși, evident, s-au dus la ea să copieze cel mai bun artist, Rembrandt a dorit cel mai mult să le încurajeze creativitatea. La un alt nivel al expoziției, putem urmări de fapt modul în care arta grafică a lui Rembrandt s-a schimbat în decenii succesive și ceea ce discipolii au reușit să preia și să transforme puțin din aceasta jucând la pian cu maestrul. Probabil că Rembrandt a fost nu numai generos, poate din cauza funcționării atelierului, interesul său a dictat să arate totul, ci în așa fel încât să creeze imagini cu valoare de sine.

O imagine cu raze X, un desen

Din tratatul lui Hoogstraten știm că discipolii au copiat mai întâi gravurile maestrului și apoi și-au făcut propriile desene, acesta a fost baza. Bernadett Tóth a adăugat acest lucru la expoziție, desenul după picturi ar fi putut fi o piuliță mai dură, deoarece suprafețele colorate trebuiau transferate pe un mediu mai monocrom, iar compoziția și condițiile de iluminare ale imaginii trebuiau respectate. La expoziție putem vedea, de asemenea, un exemplu strălucit al acestuia din urmă, căruia nu i se cere din întâmplare să împrumute din Colecția de Arte Frumoase pentru expoziții internaționale din ce în ce mai des. Foaia atribuită lui Barent Fabritius este un desen cu stilou al picturii lui Zsuzsanna Rembrandt în baie, da, dar în imagine nu putem vedea deloc ce era în pictura Rembrandt păstrată în Gemäldegalerie din Berlin. Rembrandt a lucrat la această pictură mai mult de zece ani, iar în 2015, când lucrarea a fost radiografiată, sa dovedit că mai multe versiuni repictate se ascundeau sub compoziția finală. În calitate de discipol, Fabritius a capturat cea mai captivantă fază abandonată din studio, perfecționându-și propriile abilități de desen prin copierea unei scene uimitor de mișcătoare care evocă chiar un efect de sunet.

Expulzarea din paradis

Cea mai picantă parte a expoziției se referă la a doua fază a educației contemporane, când elevii au început să învețe trucurile imaginii tridimensionale. Desigur, ucenicii au trebuit să deseneze nuduri în primul rând atunci când desenează după modelul viu, dar din moment ce desenul modelului feminin gol a fost interzis în Țările de Jos din secolul al XVII-lea, acest lucru s-a dovedit problematic de multe ori - în alte ateliere. Rembrandt a rezolvat această situație angajând fete de bucurie ca modele. Curatorul expoziției a povestit că Rembrandt a închiriat o cameră de depozitare separată în scopul acestui exercițiu de desen, în care a proiectat mici cabine separate prin pânze de vele, pe care elevul și modelul său nud ar putea să se retragă pentru a se sacrifica netulburat pe altarul artei. Odată, povestea lui Adam și Eva a fost pictată de unul dintre discipoli, iar cursantul a oftat cu suspine despre cât de bine se simțea cu modelul său în Grădina Edenului. Rembrandt a bătut imediat, asigurându-i pe delincvenți că, dacă vor continua așa, vor fi alungați imediat din paradis.

Rembrandt, regizorul

Această anecdotă ilustrează bine că uneori Rembrandt însuși ar fi putut fi cel puțin la fel de teatral ca marile sale scene narative. Știm că discipolii au fost, de asemenea, cel mai bine conduși la studioul maestrului pentru a stăpâni trucurile celui mai apreciat gen al epocii, pictura istorică. Toată lumea a vrut să fie un „regizor” care a inventat scene mari. Rembrandt a fost practic o vedetă în asta de la vârsta sa. Pedagogia sa a vizat, de asemenea, în cea mai mare parte corectarea desenelor narative ale elevilor săi și încurajarea lor în gen și, în toate acestea, a folosit și un instrument special: teatrul. În studioul lui Rembrandt, pictura a fost practic precedată de repetiții teatrale, așa că educația a amestecat de fapt elementele artei plastice și practica de actorie, elevii au trebuit să se gândească la creierul graficii, picturii și actorilor, precum și al regizorilor, în același timp.

În capodopera sa despre pictor, Svetlana Alpers scrie că Rembrandt și-a încurajat elevii să fie atât picturali cât și picturali dacă doresc să învețe să exprime pasiuni: să folosească o oglindă în timp ce pictează, așa cum a făcut-o când a făcut unele dintre autoportretele ei. Mai mult, este foarte de conceput că discipolul Rembrandt Hoogstraten a adoptat de la el metoda transmisă generației următoare, conform căreia pasajul Vechiului Testament sau Noul Testament ar trebui citit cu voce tare înainte de a picta imaginile cu temă biblică, ci și discipolul ar trebui să joace scena pentru a simți punctul și astfel poți picta mai bine.

Deși este imposibil să ilustreze acest proces de repetiție cu lucrări terminate, Expoziția de Arte Frumoase nu pierde nici prezentarea liniei teatrale din expoziție. Printre imaginile istorice putem găsi, de exemplu, un desen student, care este o copie individualizată a unei picturi Rembrandt despre o reprezentație teatrală, un decor teatral al secțiunii de pictură portret ilustrează și această metodă, dar de fapt modul de gândire teatral este prezent în fiecare imagine.

Realitate contemporană

Din faptul că Rembrandt a folosit instrumentele teatrului în portretizarea sa, s-a orientat complet către realitate în sensibilitatea sa la subiect. Potrivit lui Bernadett Tóth, el se afla pe propria sa cale când gustul publicului, așa că piața s-a orientat spre modul stilizat, estetic de a picta, Rembrandt a desenat și pictat figurile, evenimentele și peisajele realității din jurul său. În loc de fălci roșii, el era interesat de corpul real și, deși picturile sale erau prezente și în curțile regale, un desen de cerșetor cu picioare de lemn care se împiedica de-a lungul străzii a fost atras și de desenele sale. Ucenicii săi l-au urmat și în acest sens și, în mai multe rânduri, a fost însoțit în mod specific într-o călătorie în jurul Amsterdamului pentru a picta peisajul. Toate acestea sunt prezentate în ultimii trei pereți ai expoziției cu imagini senzoriale.

Rembrandt, contemporanul nostru

Expoziția de cameră de la Muzeul de Arte Frumoase disecă o serie de alte aspecte similare - și necesită, fără îndoială, angajamentul de a ne cufunda în acest timp pentru o lungă perioadă de timp. În același timp, există delicatese ici și colo, totuși cea mai interesantă tendință este că, în timpul vizitei la expoziție, cineva se plimbă în minte pentru a vedea ce se poate vedea care separă geniul care există încă de studenții de înaltă calitate.

Plimbându-se prin imagini, curatorul expoziției și-a articulat propria descifrare ca sufletul auto-asumat și auto-adevărat al lui Rembrandt. Un geniu infinit muncitor, liber, cinstit, nonconformist, care îndrăznea și putea pune întrebări. Poate că acest lucru i-a atras pe studenții contemporani către atelierul său, făcându-l un contemporan al generațiilor succesive, de la Barbizons la Van Gogh, Picasso la Greenaway și, până în prezent, i-a inspirat pe mulți, inclusiv artiști maghiari precum Ákos Birkás, László Lakner sau Péter Forgács.

Expoziția Muzeului de Arte Frumoase intitulată Rembrandt și discipolii săi nu este o expoziție monstruă din punct de vedere al spațiului și al numărului de lucrări. Cu toate acestea, dacă ne cufundăm în imagini, aceasta devine pe scară largă. Merită să intrați în lumea complexă pe care o prezentați.

Imagine de copertă: Rembrandt Harmenszoon van Rijn: Autoportret bazat pe o gardă de piatră, 1639 (detaliu) Foto: Muzeul de Arte Frumoase