Nici trupul viu nu a fost lăsat în viață

artPortal | Gyula Muskovics • 14/06/2018 | Timp de citire: 7 minute

În ultimul deceniu, departamentele de artă de performanță au fost înființate în cele mai importante muzee ale lumii, „lucrări vii” se adaugă colecțiilor și întâlnim lucrări din ce în ce mai intangibile la bienala de artă contemporană. Pe lângă faptul că spectacolele, promoțiile și evenimentele sunt părți esențiale ale unui proiect de expoziție astăzi, vedem tot mai multe exemple de proiecte de dans cu buget ridicat care înlocuiesc artefacte în locurile de expoziție contemporane. Lansat în ianuarie Corpul viu este ultimul lucru rămas în viață? (Este corpul viu ultimul rămas în viață?) Se angajează să examineze această nouă tendință.

Alexandra Pirici: Co-natural, detaliu interior, hologramă în spațiul expozițional, 2018, New Museum, New York. Foto: Julieta Cervantes

Volumul, editat de Cosmin Costinaș și Ana Janevski, a fost publicat de Para Site Center for Contemporary Art din Hong Kong și acoperă materialul unei conferințe ținute acolo în 2014. Relația reînnoită dintre dans, spectacol și spațiile expoziționale contemporane, noua întorsătură a spectacolului, este analizată în publicația de peste două sute de pagini, în format mare, de către teoreticieni, curatori și creatori precum Boris Buden, Claire Bishop, Cathrine Wood, Xavier Le Roy și Manuel Pelmuș. În plus față de analiza mediului social specific care determină evoluția performanței, textele din volum tratează și modul în care răspândirea ramurilor de artă bazate pe prezență afectează funcționarea muzeului. Noile provocări cu care se confruntă dansatorii în spațiul expozițional sunt, de asemenea, discutate în mod repetat, dar se știe puțin despre modul în care combinația inovatoare de dans și arte vizuale ar putea extinde constrângerile instituționale ale teatrelor.

Autorii volumului plasează noua performanță între două linii de forță. Apariția proiectelor de dans intangibile în spațiul expozițional poate fi văzută ca un fel de rezistență la fetișul obiect al comerțului de artă și al lumii artei. În același timp, cererea tot mai mare de spectacole live poate fi interpretată și ca un produs perfect al economiei experienței, unde memoria este marfa numărul unu. Proiectele de dans contemporan care apar acum în spațiul expozițional se disting cel mai mult prin atitudinea critică față de acesta din anii ’60, când s-a observat și o coexistență deosebită a dansului și a artelor plastice. În studiul său, André Lepecki, profesor la NYU Performance Studies, analizează pe larg diferențele dintre anii ’60 și noua întorsătură de performanță. El citează arta lui Allan Kaprow și a lui Robert Rauschenberg ca exemple, unde dansul și gândirea coreografică au deschis noi posibilități de vizualizare: a permis reinterpretarea abilității, studiul performativității picturale și a adus în prim plan actul creației. În timp ce în trecut dansul era o oportunitate pentru artiști de a experimenta legătura dintre viață și artă sau libertate, astăzi pare idealuri naive.

Coperta cărții: https://images.e-flux-systems.com/169228_e031a059a23740c59df49f0dc889e5fa.gif,1440

Dansul contemporan din anii ’90, prin operele unor artiști precum Jérôme Bel, Eszter Salamon, Xavier Le Roy, Meg Stuart, Manuel Pelmus și Alexandra Pirici, este doar preocupat de reguli și constrângeri. Trecând dincolo de clișeele care au cunoscut dansul drept arta corpului și nespusul, întrebările sale despre propriul său mediu își găsesc locul în cele mai actuale teorii sociale și discursuri filosofice: cum devin subiectul sau obiectul unei situații? Cum evit să fiu materializat împotriva voinței mele? Cum pot întruchipa altceva decât ceea ce ar trebui să fiu? Cum pot fi eu însumi? Însă se poate deduce din condițiile de muncă ale interpreților tipici independenți, bazate pe proiecte, că neoliberalismul se referă la un produs intangibil, adică confuzia frecventă a creatorului cu situațiile pe care le creează. Și la fel cum coregrafiile efectuate cu corpuri elaborate sunt criticate în diferite moduri, poate fi o provocare a gândirii despre relația dintre comandă și ascultare și funcționarea sistemelor socio-politice.

Nu este o coincidență, deci, că există un mare interes pentru dansul contemporan din partea instituțiilor de artă plastică. Singura întrebare este: proiectele experimentale de dans care ajung la periferia mediului teatral își vor găsi locul în scena artelor plastice, în muzeu? Cu alte cuvinte, sub presiunea pieței de experiență, este important ca muzeele să nu folosească doar lucrări performative pentru a crește numărul de vizitatori, ci și să investească în acest domeniu.

Xavier Le Roy: Retrospectivă, Detalii de performanță, 2012, Centrul Pompidou, Paris. Foto: inhalemag.com

Programul de dans în creștere al muzeelor dezvăluie, de asemenea, multe despre starea actuală a performanței de artă. Claire Bishop analizează acest lucru într-un studiu al criticului și istoricului de artă britanic. Începând cu evenimentele dadaiste, scopul spectacolului a fost subversiunea și păstrarea departe de comerț. Indigestibilitatea, durata insuportabilă, contingența și simplitatea spectacolelor de avangardă au fost critici ascuțite ale situației teatrale clasice. Tonalitatea critică a instituției nu a fost mai puțin puternică în manifestările artei performante valabile din anii ’60. Pe lângă relația contradictorie cu materialitatea, grație situațiilor incomode și a trecerilor de frontieră create adesea de artiști, spectacolul a reușit să rămână în afara zidului muzeului în cea mai mare parte a secolului XX. Interesul recent al instituțiilor de artă plastică pentru dans indică, într-o oarecare măsură, muzealizarea artei spectacolului. În lumina unor lucrări vii, chiar și de durată expozițională, bazate pe o prezență continuă, posibil disponibilă pentru colecții, se pune întrebarea și despre ce metode creative pentru a prezenta spectacole recente despre care avem doar documentație.

Proiectele actuale, în curs de desfășurare, de durată ale muzeelor, spre deosebire de performanța irepetabilă, de artă unică, examinează instituția dintr-o perspectivă complet nouă. În spațiul expozițional, artiștii interpreți par să apară ca obiecte vii, adaptându-se ironic la nevoile consumatorului eșantion al culturii evenimentelor capitaliste târzii. Aceste lucrări descriu perfect starea actuală a muzeului. Așa cum o instituție bazată pe o colecție tangibilă încearcă să rămână actuală într-o realitate definită atât de virtualitatea imaterială, cât și de o experiență experiențială fizic, face vizibilă și modul în care acțiunea, prezența vie, devine fetișizată, adică obiectivată.

Alexandra Pirici: Co-natural, Interior, 2018, New Museum, New York. Foto: Julieta Cervantes

De aceea, corpul viu nu supraviețuiește neapărat, așa cum sugerează titlul volumului. Printre altele, cea mai recentă „expoziție” co-naturală a artistei române Alexandra Pirici la New Museum din New York a făcut obiectul unor critici extreme. Oamenii de pe un piedestal luminat în spațiul expozițional au preluat ipostaze sculpturale, dar unul dintre participanți, Farid Faruz, a fost prezent sub forma unei holograme. Într-un interviu, Pirici discută și despre beneficiile unei holograme la locul de muncă. Lucrul cu oameni vii într-un spațiu expozițional timp de opt ore pe zi (în timpul programului de deschidere) este destul de greoi, interpreții alternează la fiecare jumătate de oră, la fiecare oră, motiv pentru care avem nevoie de mult mai mulți participanți decât vedem în spațiu. Holograma nu trebuie să meargă la toaletă, nu are nevoie.

Alexandra Pirici - Manuel Pelmuș: Expoziție retrospectivă intangibilă a Bienalei de la Veneția, scenă, 2013, Bienala de la Veneția Pavilionul Român. Foto: Eduard Constantin

Dacă ne uităm la toate procesele care au loc într-un muzeu, adică în sălile de expoziții, un depozit, un atelier de restaurare sau într-o bibliotecă și birouri, ca coregrafie, putem vedea că această instituție, care pare statică și atemporală, este în continuă mișcare. Pe măsură ce se adaptează la provocările de prezentare și colectare a lucrărilor intangibile, arată că regulile acestui sistem pot fi rescrise. Pe măsură ce dansul intră în muzeu, putem începe să ne gândim la întrebări interesante despre ce înseamnă permanența pentru lucrurile care nu pot fi păstrate. Dar ce înseamnă muzeul pentru dans? Este muzealizarea dansului o investiție pentru dans sau instituție? Și ce efect are încercarea de conservare a proiectelor intangibile asupra artelor plastice și a pieței de artefacte?

Corpul viu este ultimul lucru rămas în viață?
Noua performanță, istoriile și instituțiile sale

Starnberg Press - Para Site, Hong Kong, 2018
ISBN: 978-3-956791-18-5
Limba: engleză
legare dură: 224 pp, 220 x 280mm
Mai multe informații despre volum aici.