Pietricele în pantofi

„Filmul este o panglică de vise. O cameră este mult mai mult decât un reportofon; un mediator prin care ne ajunge un mesaj dintr-o altă lume care nu este a noastră și ne duce într-un mare secret. Magia începe aici. ”
/ Orson Welles /

Pentru a șaptea săptămână la rând, cinematografele planetei noastre clipesc neclintit datorită nativilor unei alte planete digitale și nu aș fi surprins dacă această colorare ar dura cel puțin atât de mult. James Cameron se poate simți acum pe bună dreptate ca stăpânul lumii.

El ne-a pus pe masă pelicula de masă perfectă și spumele cu profil înalt pe cele două fălci pe care le-a servit maestrul. Rețeta este simplă: o priveliște revoluționară, orgiuri grandioase monumentale, muzică eroică și ... khm, oh da, pentru a risipi alte cuvinte/cerneală/depozitare pe celelalte ingrediente. Dar nu asta este ideea. Această postare nu este destinată recuperării după comentariile amare adresate avatarului. S-ar putea să fie altă dată. Acum, acest mic monstru de film tocmai mi-a venit la îndemână să abordez o formă radical diferită de film, aruncându-l și îndepărtându-mă de el.

Când o locomotivă cu aburi s-a îndreptat spre camera foto de cealaltă parte a ecranului (L’Arrivée d’un tren spre La Ciotat, 1895), publicul și-a fugit țipând.

Acesta a fost primul pas. Acum, lăsând deoparte o cronologie strictă, să sărim cu șapte ani în timp. Atunci a fost dezvăluit primul truc din istorie, Georges Méliès Călătorie spre lunăba (Le voyage dans la Lune, 1902). Lucrarea a revoluționat filmul și putem, de asemenea, să-i onorăm pe toți strămoșii noștri SF.

Méliés a fost fondatorul primului studio european, unde a lucrat și ca regizor, cinematograf și scriitor. Din 1902, producția a devenit mai mult sau mai puțin continuă. Cetățenii au început încet să se împace cu imaginea în mișcare. S-a născut mainstream-ul.
Cu toate acestea, filmarea în pantofii copiilor nu a satisfăcut nevoile tuturor. Câțiva ani mai târziu, avangarda s-a lovit ca o palmă paternă.

Artiștii care doreau să se schimbe radical au descoperit și potențialul artei a șaptea. Au stricat-o agresiv și au spulberat regulile teoriei nașterii filmului. Scopul a fost de a transmite un conținut mai înalt de conștiință. Aceasta, desigur, nu a necesitat nicio narațiune. Imaginați-vă o pictură suprarealistă care nu mai este statică. Experimentați cu mintea. Luis Boñuel și Salvador Dali angajat în Câine andaluz (Un chien andalou, 1929), un reper care a constituit un reper nu numai în franceză, ci și în istoria universală a filmului. În faimoasa sa scenă de deschidere, o femeie își taie ochiul stâng în două cu o lamă de ras.

Au ieșit la lumină și inițiative experimentale speciale. Man Ray a așezat diferite obiecte pe suluri de folie neambalate sau le-a zgâriat împreună cu cuie. În timpul screeningului ulterior, contururile au ars în casetă. Apoi a pus aceste filme de umbră pe un proiector.

Datorită activităților acestor creatori, putem vorbi despre filmul de autor astăzi. Fluxul fantomă eliberat de avangardă a bătut un nou val la începutul anilor 50 și 60, iar impactul său este resimțit și astăzi, în special în producția cinematografică a continentului nostru.

Atât de mult pentru istorie. În cele ce urmează, voi încerca să schițez contururile atât ale filmului de masă, cât și ale teoriei filmului de artă.
Ca film de audiență, putem apostrofa lucrări care, așa cum sugerează și numele lor, sunt făcute pentru publicul larg. Scopul principal al creatorilor este de a produce cât mai mult profit material posibil. Ca rezultat, lucrările sunt condimentate puternic cu simțul gurii maselor. Cel mai important membru al personalului nu este regizorul, ci producătorul, care nu riscă sau rareori își asumă riscuri. El filmează povești bine dovedite din nou și din nou. Aș vrea să mă întorc aici pentru o clipă Avatarla.

Șefii studioului de producție au recunoscut curând potențialul Cameron în ideea sa - mă îndoiesc de scenariul său - și fără prea multe remușcări, au pus pe masă cei 280 de milioane de dolari pe care i-a cheltuit apoi pentru tehnica maestrului, nu actorii. Filmul a adus deja o mulțime de costuri de producție și, cu venituri de peste 2 miliarde de dolari, a devenit cel mai profitabil produs de divertisment din toate timpurile. Filme de acest gen sunt perfecte pentru a trece timpul și se poate spune chiar că unele sunt distractive, întrucât acesta este obiectivul lor, la urma urmei. Majoritatea oamenilor nu vor ca un film să le dea o lecție. Garanția pentru un film de gen real nu durează mult mai mult decât lungimea sa. În plus, o caracteristică importantă a acestora este că, în majoritatea cazurilor, acestea pot fi clasificate cu exactitate într-un anumit gen. În majoritatea cazurilor, modul de reprezentare nu este diferit de cel obișnuit. În unele cazuri norocoase, totuși, acest lucru se întâmplă. Gândiți-vă la psihopatul nostru preferat, Quentin Tarantinora, David Fincherre,Danny Boyle-sau stăpânul francez, Jean-Luc Godard-ra. Mainstream și art se amestecă inteligent împreună în creuzetul lor, creând un amestec excepțional.

Deja avem mai greu cu filmul autorului. Nu te lasă ușor. În cazul lor, personajul dominant nu este genul, ci stilul. Primele nu pot fi clar definite, limitele sunt estompate. Datorită unei idei creative, nici nu aveți nevoie de un buget mare. David Lynch Introdus în 2006 Inland Empire-bugetul pentru cântat este doar câteva mii de dolari.

Coșmarul pulsând timp de trei ore a fost înregistrat în întregime de regizorul însuși cu o cameră digitală de mână. În cazul filmelor de lung metraj, el este șeful gărzii creative, a cărui personalitate și convingeri pătrund pe pânză. Opera se abate de la calea bătută și își direcționează poveștile până la capăt cu o voce narativă personală, nu cu cea obișnuită, dacă putem vorbi deloc despre ea. De obicei, dramele personale ale destinului și ale sufletului sunt ascunse sub suprafață, dar lupta eternă a Binelui și a Răului se află și pe celuloid. Desigur, nu vă gândiți la supereroi, oamenii din filmul de artă sunt umani în toate circumstanțele, chiar și în animalismul lor. Problemele lor interne sunt în mare parte înrădăcinate social. Înțelegerea acestor creații este o adevărată provocare și, în unele cazuri, complet inutilă. Aproape întotdeauna necesită o experiență teoretică culturală sau cinematografică. Cu toate acestea, acest lucru nu este deloc necesar pentru plăcerea lor.

Sunt mai aproape de poezie decât orice alt gen. Filmul adevăratului autor este viu. Nu te lasă să te odihnești. Lars Von Trier, nemernicii danezi au remarcat odată că era convins că „Un film bun este ca o pietricică în pantofii tăi - te deranjează la fiecare pas”. Dar va fi foarte bine să simțim urmele de pietriș pe tălpile noastre chiar și după îndepărtarea încălțămintei. Oricine l-a văzut deja prezentat la Cannes anul trecut a fluierat și apoi a fost premiat,Antihrist, psihoporno de cameră de groază, poate fi o idee a ceea ce gândea regizorul. Sistemul complex de simboluri al cinematografului deosebit de crud pune mintea la încercare, dar este o experiență pe care privitorului îi este greu să o uite.

Înainte chiar să credeți că lucrările protejate prin drepturi de autor nu pot fi decât nepoliticoase și greu de înțeles, aș dori să vă atrag atenția Darren Aronofsky Sursa (Fantana, 2006). Cu imaginile sale lirice, frumos compuse, muzica impecabilă și istoria excepțională, oricine o repetă poate face parte dintr-o experiență cu adevărat semnificativă, cathartică. Și pentru iubitorii de varietate umoristic-romantică (pentru că există unele), există franceză Michel Gondry opera sa aproape completă, mai ales Visul este știința(La Science des reves, 2006).

Trucurile și metodele introduse de cele mai bune filme experimentale vor fi mai devreme sau mai târziu incluse în cutia de instrumente comerciale și, după un timp, trucurile mereu surprinzătoare nu vor fi flagrante. Tehnica ecranului divizat, de exemplu Andy Warhol experiment subteran Fetele Chelseal-am văzut pentru prima dată în 1966. A fost atunci un pionier, astăzi îl putem întâlni peste tot. Cutia cu filme de artă nu înseamnă că filmul în cauză este neapărat bun, întrucât chiar și artiștii cineasti sunt la fel ca jucătorii de jocuri, nu toată lumea se reunește. Ideea este că aceștia călătoresc la un preț nou, care este fie bun pentru noi, fie nu.

La urma urmei, vă spun că toată lumea are nevoie de cinematografe unde cineva pune prietenii laolaltă, iar apoi cu câteva sticle de bere și câteva pungi de arahide sărate, timpul trece peste ele. Dar pentru mine, îmbrățișarea unei lucrări foarte bune nu este o experiență socială. Rătăcirea în locurile de joacă ale minții nu necesită însoțitori, poate doar dacă suntem deja foarte pierduți.